суббота, 22 октября 2011 г.

Почитав один из специализированных форумов, я обнаружил, что люди, имеющие большой опыт пения в хоре, рассматривают вопрос о том, не заняться ли вокалом. Я и не знал, что пение в хоре и занятия вокалом - это разные вещи. Конечно, перед певцом в хоре ставятся другие задачи, чем перед соло-вокалистом, но то, что эти задачи настолько разные, для меня стало чем-то новым.

четверг, 20 октября 2011 г.

Любительство и профессионализм

Сейчас в разговорной речи слово "профессиональный" является, прежде всего, оценкой качества. Тот человек профессионально играет, этот - непрофессионально, и сразу выстраивается ассоциативный ряд: профессионально - значит хорошо, непрофессионально - значит с ощутимыми изъянами, по-дилетантски.

Этим словом часто оперируют люди, не имеющие отношения к музыкальной профессии, многие из них являются музыкантами-любителями. Для них быть музыкантом-профессионалом - значит играть хорошо. Такое любительское мнение хотя бы на словах облагораживает музыкальную профессию. Потому что если подумать о том, что такое профессионализм в музыке, здесь о качестве исполнения речи не идет. Потому что каждый, кто берет в руки гитару, регулярно ходит в ресторан или ночной клуб аккомпанировать популярным песням из пяти-шести аккордов и получает в конце вечера плату за это, может назвать себя профессионалом. А что? Зарабатывает человек музыкой, и будет обижаться, если вы будете предавать его профессионализм сомнению. От разговоров о качестве исполнения такие музыканты искусно увиливают.

А кто такой любитель? В разговорной речи "любитель" - антоним к слову "профессионал". Любитель хочет играть, но не умеет так, как профессионал. Опять же, такое узкое понимание слова "любитель" искажает реальную картину.

Во первых, любитель - это в буквальном понимании человек, который любит музыку и любит то, что играет или пытается играть. Далеко не каждый профессиональный музыкант хорошего уровня может сказать, что он увлечен тем, что играет. Во-вторых, музыкант-любитель - это человек, который зарабатывает себе на жизнь другим делом. Но если считать, что принадлежность к профессии музыканта - это показатель качества, то здесь может возникнуть море недоразумений, и в общении они нередко возникают.

Логично, что профессиональный исполнитель должен посвящать наращиванию уровня игры и поддержанию своей формы времени больше, чем есть у любителя - представителя другой профессии, которая отбирает время. Но далеко не все профессиональные музыканты развиваются: они часто останавливаются на том уровне, которого достаточно, чтобы им платили за то, что уже есть. Потому что не знают, куда и зачем им еще двигаться. Любители в отличие от них обладают большей мотивацией и двигаются вперед просто потому, что есть желание. И благодаря этому некоторые любители превосходят некоторых профессионалов по уровню игры и осведомленности в разных музыкальных стилях. Хотя, конечно, основная масса профессионалов играет более качественно, чем любители. Но на любителей не давят реалии жизни музыканта, потому они чаще лишены того недовольства, которое есть у профессионалов, любители довольны теми двадцатью минутами в день, которые наконец-то посвящены музыке, чем настоящие профессионалы, которые больше сталкиваются с опять этой рутинной работой, которая, может быть, приносит деньги, но удовольствие - далеко не всегда.

Особенно эта проблема велика в постсоветских странах с низким уровнем осведомленности населения в какой-то еще культуре, кроме массовой. Профессионал берется за один проект, реализует его, потом за другой, за третий. А потом хочет реализовать четвертый - еще более масштабный и сложный, а сделать это оказывается не по силам, из-за этого постоянно растет чувство недовольства - есть желание расти, а уже головой уперся в потолок. Любитель же умеет довольствоваться малым, пусть его уровень и невысок, но занятия музыкой у него вызывают свежие эмоции, что делает его жизнь гармоничнее. Любителю проще достичь своих целей в музыке, его основная задача - самовыражение. Профессионал же не везде может и хочет выразить себя, но вынужден делать свою работу так, чтобы слушатели поверили в то, что он растворен в музыке, которую играет. Иначе слушатели ему не поверят, как следствие - не заплатят.

Мало кто думает о том, что профессионал на словах может быть на деле дилетантом, который в какой-то момент благодаря знакомствам пробился в эшелон ресторанных "лабухов" и стал зарабатывать примитивным исполнением, найдя простой путь к деньгам. Но в народе фраза "профессиональный музыкант" вызывает особое чувство уважения. Будто каждый профессионал - это человек, который нашел в себе силы заниматься только музыкой, с детства к этому готовился, что говорит о целеустремленности и самоотдаче. У профессионала много специальных знаний, он хорошо владеет инструментом, при этом он готов к лишениям и умеет обходиться без денег, так как в народе силен стереотип "художник должен быть голодным"... Это делает музыканта романтическим героем, одно только упоминание его профессии дорисовывает многое в воображении людей.

Таким ли он является на самом деле, вопрос второстепенный: профессиональный артист - тот, кто, прежде всего, торгует своим образом. Чтобы делать это эффективно, нужен коммерческий профессионализм. Поэтому я отношу к музыкантам-профессионалам только музыкантов такого уровня, на который мне хотелось бы равняться.

понедельник, 17 октября 2011 г.

Уроки гитары в Киеве: о преподавании гитары

Хочу поделиться мыслями о преподавании, которым я несколько лет занимаюсь (Евгений Седько, уроки гитары в Киеве).

Тому, кто хочет научиться играть на гитаре и обращается к преподавателю, наверняка интересно, что он собой представляет, как проходят его уроки, внятно ли он объясняет и как быстро с ним удастся освоить игру на гитаре.

Я как преподаватель имею интерес к следующему: высота поставленной планки, действительно ли ученик ее себе поставил, готов ли посвящать гитаре время и настроен ли он на понимание того, о чем я говорю на занятии.
Если речь идет о детях, интересно и то, чья это идея - учить ребенка гитаре, если родителей - понимают ли они, зачем им это надо, а зачем ребенку. Если желание возникло у самого ребенка - понимает ли он, что он действительно хочет учиться именно гитаре, умеет ли он учиться.
Также интересно, хорошо ли он учится в школе и избегает ли выполнения домашних заданий, быстро усвоив школьный материал. Сразу скажу, что такая шара с гитарой не прокатывает, и на моей памяти не один отличник прекратил заниматься, решив, что самостоятельные задания, которые я даю, выполнять дома вовсе не обязательно. В результате занятия превращались в повтор одних и тех же неотработанных упражнений, и спустя совсем немного времени и мне, и их родителям становилось ясно, что это тупик.

Я готов к тому, что многие, начиная обучение, сами не знают, "пойдет" или "не пойдет". Как попытаться это отчасти выяснить, еще не начав заниматься?

Представьте, что вы пришли на занятие, на котором получили порцию информации для самостоятельной работы. Естественно, вы на занятии не только слушали, но и выполняли небольшие задания. К следующему занятию у вас уже должны быть проработаны заданные элементы. Сразу прикиньте, где вы возьмете время для того, чтобы выполнять задания. Если вы не уверены в том, что оно вообще найдется, лучше за это дело не браться. А толку?

Смежный вопрос: сколько желательно тратить времени. Обычно я говорю, что чем больше, тем лучше. Я в школьные годы тратил на гитару почти все свое свободное время. Благодаря такому фанатизму я стал музыкантом, но от других такого не требую. Естественно, что люди, привязанные к рабочему графику и семье, вряд ли смогут уделять гитаре столько времени, сколько школьники и студенты. Хотя должен сказать, что есть исключения. Бывают школьники, не занимавшиеся целую неделю из-за отсутствия времени, и родители подтверждают постоянную загруженность ребенка. А есть работающие семейные люди, выполняющие все задания не просто от а до я, но еще и сверх этого.

Если у вас действительно есть желание играть, то вы, несомненно, будете делать еще больше, чем я от вас жду. Для эффективности занятий желательно посвящать гитаре каждый день. Или заниматься через день. Но 15-20 минут в неделю - это ничто, с таким успехом движение вперед будет очень медленным. Даже 15-20 минут в день - неплохо, но мало. Лучше уж раз в два-три дня, но позаниматься пару часов в день.

Еще один смежный вопрос: а сколько раз в неделю лучше брать уроки? Ответ: я со всеми занимаюсь раз в неделю, и этого хватает, так как заданий на неделю хватает, и объяснений, как их выполнять, тоже хватает. Хотите больше - можно, но если вы готовы к интенсивной работе. Если что-то неясно, я никогда не отказываюсь дополнительно прокомментировать задание по телефону или эл. почте. Вопрос скорости обучения упирается именно в возможность и желание тратить время на гитару самостоятельно. А желание - вещь такая: будет оно - найдется и возможность.

Часто слышу по телефону фразу "я (или ребенок) хотел бы заниматься, но у меня (него) нет никакого понятия о музыке, раньше ничем не занимались". В голосе присутствует какое-то смущение из-за нулевых знаний о гитаре. И меня удивляет вот что: откуда люди берут, что каждый должен иметь понятие о музыке, прежде чем идти заниматься? Каждый ведь с чего-то начинает, преподаватель берется за начинающих и показывает, как держать гитару, какой рукой играть и т.п., это ведь естественно, ученик же за тем и пришел, чтобы все узнать, и чаще всего с нуля. Потому сразу призываю незнание и неумение ни в коем случае не считать недостатком.

Свои задачи я делю на более и менее важные, хотя все необходимо решать. Самая важная задача - это помочь ученику сделать гитару чем-то вроде собственного голоса - инструмента для самовыражения. Это, на мой взгляд, больше упирается в свойства личности. Раз человек занялся гитарой, мотивация есть, теперь ее нужно по максимуму использовать и подогревать ее новыми сведениями, которые, может быть, впоследствии помогут выразить себя с помощью инструмента.

Сведения второстепенного характера - техника и теория. На эту часть обучения тратится намного больше времени, и без этого никуда. Но они, все же, второстепенны. В результате та информация, которую я уверенно считаю очень важной, ученикам может показаться немного пространной. Но она работает, я это говорю не как любитель просто поговорить об искусстве, а как концертный исполнитель.

Кто-то из учеников хочет играть на концертном уровне, кто-то вообще избегает публичных выступлений, но объединяет их одно: звук гитары и/или образ исполнителя на гитаре как-то резонирует с их побуждениями. Моя задача - максимально сблизить то, что есть в них, и то, что они своими пальцами выжмут из инструмента. Часто это оказывается проблемой из-за психологической зажатости, порою сильной. Я всем говорю о том, что самая большая проблема в технике - это лишние напряжения, а сигналы подаются из мозга, потому не надо обвинять пальцы в том, что они не то и не так играют, а себя - за такую голову и руки. Если такой процесс запустить, то занятия гитарой станут самобичеванием, что с психологической стороны есть тревожный симптом, потому я таких учеников стараюсь, прежде всего, убедить в том, что им нужно слушать себя. Зажатость пальцев, на мой взгляд, - это отражение некоторой скованности. С одной стороны, такое мое видение проблемы усложняет процесс, немного отдаляя вопрос от музыкального контекста, с другой - помогает, так как я представляю более широкую картину проблемы и придумываю, где какой внести штрих, не подавая информацию в стандартной последовательности, а работая с людьми индивидуального склада, к каждому из которых нужно найти подход. Другим я себе преподавание гитары не представляю.

Какую скорость обучения я стараюсь держать: максимально эффективную для каждого ученика. И впоследствии дать каждому возможность выступить на отчетном концерте учеников, такие концерты я периодически провожу. Некоторые ученики уже принимали участие в больших концертах, и я стараюсь увеличивать число учеников, играющих убедительно и имеющих представительный технический уровень - это то, чего я от учеников в идеале жду, но никого не заставляю соответствовать моему идеалу. Своему идеалу и я не соответствую.

Буквенное обозначение ноты си

При работе с другими музыкантами часто приходится записывать аккорды в виде цифровок. И вот однажды стали возникать недоразумения: я пишу H7, а мне музыкант говорит: "Зачем ты пишешь H? Пиши B, так сейчас пишут". А я помню, что читал о том, как обозначается нота си: это H, а B - это си бемоль. И мне стало непонятно, почему мне музыкант намного более грамотный в нотах и теории, чем я, говорит, что эта информация неверна.

Нахожу информацию еще раз. Си - это H, а B - это си бемоль. Но указано, что это правило в последнее время часто нарушается.

Впоследствии мне стало понятнее, кто и как его нарушает. В англоязычной музыкальной литературе, в джазовых партитурах B - это си, а си бемоль - это Bb. В европейской литературе: в немецкой системе обозначения нот и т.д. си - это H, а B - это таки си бемоль.

Пока что открыт вопрос, как мне найти общий язык с цимбалистом, мыслящим в европейском классическом русле, и контрабасистом, который считает обозначение H устаревшим и некорректным в наше время. Писать им, что ли, разные цифровки? Дурдом какой-то с этими нотами.

суббота, 8 октября 2011 г.

В последнее время у меня поменялся подход к исполнению выученных композиций других авторов, в частности Пако де Лусия, большей частью на музыке которого я и учился.
Раньше мне казалось, что исполнять произведение стоит так, чтобы максимально точно передать то настроение, что вложено первым исполнителем. Если он сыграл быстро, сыграть в том же темпе, акценты расставить там же, сохранить манеру, резкость звукоизвлечения.
Теперь мне так не кажется. Произведение стоит, все же, отделять от автора. Потому что кто знает, кто это произведение на самом деле сочинил. Например, многие композиции, авторство которых приписывается одному Пако, хотя формально соавтор - Торрегроса, сочинены с большим количеством элементов классической гармонии. Пако играл только традиционное фламенко и не мог овладеть композицией на таком уровне, чтобы сочинить такое сапатеадо, гуахиру и т.п. Почему я категорично говорю о том, что он "не мог", а не "может быть не мог" - потому что в его исполнении этих композиций отсутствует классическая выразительность, есть только характерный для фламенко звук.
Сыграть гуахиру и сапатеадо в быстром темпе тяжеловато, звук не всегда предсказуемый, я в один прекрасный день плюнул на темп и решил, что за скоростью гнаться не буду. И обнаружил, что если немного замедлить эти композиции и немного варьировать темп, то получится не фламенко, а настоящая испанская классика. И звучать эти композиции с динамикой громкости и вариациями темпа будут намного богаче, чем с ровным фламенковым извлечением. Вышло, что я для себя нашел способ сыграть их так, что они и звучать будут богаче, и мне простора для самовыражения больше.
Выкладывая записи своего исполнения чужих композиций, я знаю, что исполнение будет обязательно сравниваться с оригиналом, слушатель ведь услышит, что я пытаюсь повторить манеру исполнителя. Но это не может выйти у меня на 100%, потому что Пако в этих исполнениях выражал себя, а почему я должен пытаться выражать свое видение Пако?
Теперь у меня другая задача. Играя музыку Пако, я хочу, чтобы слушатель забыл о том, кто ее сочинил и как она звучит на записи. Многие любители фламенко, оценивая твое исполнение, говорят о personalidad, так почему бы не раскрывать это свойство даже при исполнении чужой музыки? В конце концов, копировать манеру хорошо до какой-то поры, пока не захочешь сам что-то из себя представлять.